水彩画教案标准2

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授课教师：

李卫平

职称：

副教授

单位：

课程编号 考核方式 考试 专业班级 学时 理论学时 学时 小组讨论 学 分 2 学生人数 学时 实践学时 学时 现场讲解 学时 学时 艺术系

课程名称 水彩画 授课学期 授课年级 总学时数 课堂讲授 水彩画是一种轻便、使用广泛，艺术性很强的画种，同时又是研究色彩较为理想的画种之教学目一。因此，常被列为美术专业的色彩基础课。通过色彩景物课程的学习，可使学生获得色彩标及基的基础知识和水彩画的基础技法，而且训练学生以色彩塑造形体的能力和审美的能力。 本要求 在水彩画的教学中，应看重使学生尽快掌握水彩画的特性和基本技法，充分了解水彩画与教学 其他画种的区别。提高学生对水彩画的欣赏水平。 重点 教学 难点 本课的教学难点在于使学生学会掌握“水”和“彩”的具体运用，突显水彩画的特点和材料的特性。 名称 教材 《高等院校美术专业系列教材绘画基础类色彩——水彩画》 《新世纪水彩人物画技作者 法》[美]查尔斯·雷德著 出版社 《水彩画材料与技法》[美]戴维·杜威著 出版时间 作者 指 出版社及出版时间 定 参 《王肇民水彩画集》岭南美术出版社 考 书 《水彩大师教程》[美]爱德华·H·贝茨著 作者 出版社及出版时间 作者

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课程名称 水彩画 章节、专题 水彩画静物写生 静物，是非常有趣的写生题材。静物写生间接地反映人们的生活，借物寄情，表达一定主题思想，引起人们的联想，陶冶人们的情操。通过静物写生的学教学目使学生熟悉水彩画工具材料性能，基本特点及写生的意义和基本知识等从而标及基习，本要求 开发学生的创作意识，使其掌握将主观情感，思想以及艺术技巧趣味的探索与追求融汇到静物写生的全过程。 ①使学生熟悉水彩画的工具材料及性能作用。了解静物写生的基本知识及特点等。②能够在实践中很好的运用水彩画的工具材料及性能作用。启发学生在教学 重点 学习静物画时，不仅要掌握技法而且要培养自己发现美的能力，在实践中灵活运用，提高学生的创作意识，融会到静物写生的全过程。 教学 难点：水分和时间的掌握与条件的观察方法。 难点

第一节：静物写生的特点及基本知识 第二节： 静物写生的步骤 第三节：静物写生中室内色光的变化规律 教学内第四节：静物写生中背景的处理 容与时第五节：静物写生的训练方法 间分配 第六节 静物写生的探索与追求

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授课教师： 课程名称 授课内容 第一节：静物写生的特点及基本知识

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首先向学生介绍一下静物画的起源和其独特的审美价值。 起源：最早出现于十七世纪初叶，此后至十七世纪中叶以后，荷兰小画派发展了它，逐渐形成了一个独立的画种。 其次：让学生了解为什么要学习静物写生 再次：向学生介绍作为水彩画练习来说，应注意的问题。 一、始终强调重视培养和训练初学者的色彩感觉。 二、始终强调重视培养和训练学生熟练地掌握水彩画的工具、材料的性能水彩画的基本技巧。 最后，人的色彩感觉不能排除秉赋的因素所形成的差异，这种差异对色彩感觉的敏锐与否有着一定的影响。但不是决定性的因素。 通过了解静物写生的特点及基本知识，可以对下一步的静物写生做好前提准备，但要真正认识和画好静物画，还需要大量的实践积累更多的经验。 第二节： 静物写生的步骤 正确的作画步骤程序是顺利完成画面并使其达到预期艺术效果的保障，对一气呵成的水彩画更显得重要。 一、 组合静物 画静物首先要学会组合静物，要注意生活的合理性、趣味性、物体位置的布置、造型及色彩相互搭配的结构关系等。 二、 立意 对摆好的静物首先要观察立意，形成某种构思与联想，不要急于动手就画，以免

因手忙脚乱处于被动状态。 三、 构图与轮廓 四、 着色： 水彩静物的着色方法有两种即干画法与湿画法，前者需要由浅入深，从大面到细部全面铺开逐层叠画，要求每遍颜色的透明度很高，而后者则需一气呵成，准确果断。最好的方法是干湿相互交替运用。着色中具体进程原则应该是先浅后深，先湿后干，但也不能绝对。要掌握分寸留有余地，所画程度要恰到好处，留有补笔，调整的余地。 第三节：静物写生中室内色光的变化规律 室内光线较之室外光线一般说来要弱，但稳定得多， 因而比较易于控制和把握。室内写生因采光方向、角度的不同有侧、顶、逆、平光之分，再加上环境色彩的影响，所以比较复杂，但归纳起来，物象的色彩有在和变化大体上有以下几种： （一）色彩冷暖变化规律 1、物象亮面色彩冷暖及色相，受光源色的冷暖与色相的影响。 2、物象暗面的色彩冷暖及色相受环境色的冷暖与色相影响。 3、物象的中间部分是以固有色的冷暖和色相为主，同时受光源色及环境色的影响。 4、高光本身的色彩，主要看光源的强弱而定。 5、明暗交界线部分的色彩冷暖及色相基本与暗部相同。 6、反光部分与暗部基本相同。 （二）色彩强弱的变化规律 1、物体离光源近，受光面明度高 2、距视点近的物体感觉强，远的感觉则弱。 3、明度距离大体相同的物品，暖色系色强，冷色系色弱。 4、多种物品放在一起，色相冷暖对比越大越强。 第四节：静物写生中背景的处理 背景是作为陪衬为静物主体服务的，因此表现背景时，要认真研究主体与背景的

关系，防止将二者等同或割裂开来对待。 衬布作为静物的背景，往往是由水平面和垂直面组成，这两部分因前后空间的距离加之光源远近和角度的不同，就会产生变化。因此既要表现出这些细微的差别，又不能画得过实，否则对处理空间距离是不利的。 画衬布，一般多用湿画法，丝绸褶纹有时可用干画法。要与画实物交叉进行，画出一个总体的色调。然后，再分割进行深入刻画，不断调整两者之间的关系，直至最后完成。 第五节：静物写生的训练方法 水彩静物写生的训练，总的来讲其目的是培养初学者认识色彩，运用色彩和以水彩技法表现对象的能力。因此应从总体来安排不同阶段的练习，并有所侧重地对每一个阶段提出要求，主要有几个方面的训练内容和方法。 （一）关于掌握水彩工具，性能及水彩画的基本技法的练习。 （二）关于认识运用色彩能力的练习 （三）关于静物质感的认识和表现的练习 （四）关于培养对空间感的认识和表现的练习 第六节 静物写生的探索与追求 静物写生，既是色彩造型必不可少的基础训练，又是开发学生的创作意识，掌握造型艺术规律，丰富表现技巧的重要手段，所以写生时，既需要以客观景物作为依据，又需要注入主观的创作意识，增加画面的艺术魅力，两者既不可少，又不可分割。所以在静物写生中，要善于从客观感受的基础上，深入地酝酿处理与追求每一幅画的情趣、意境和艺术趣味。 （一）追求深入丰富的艺术趣味 画水彩画必须要经历由简到繁、由繁到简不断循环的学习过程。学时的“简”是指学习从整体入手，掌握物体最基本的形体塑造能力。为日后进行高层次概括、提炼的“简”打下稳固的基础。 （二）追求随意性的艺术趣味 追求随意性的表现趣味，必须建立在熟练地驾驭水彩画工具性能和较扎实的色彩

造型基本功，以及一定的文学艺术理论修养的基础上，缺乏这些基础而追求随意性作品就会显得空泛苍白和粗制滥造。 （三）追求平面性的艺术趣味 在水彩静物写生中，抛开景物的明暗光影调子和繁杂的细部变化，将物体概括为二个色调或二度空间的平面来表现，为水彩静物画的表现手法增添新意。 （四）追求明暗光影的艺术趣味 物体产生明暗变化，既是客观的自然现象又是物理现象。在绘画作品中，对明暗光影的组织、处理与发现，是最细腻和最周密的创作过程。因为，不同明暗光影的组合与对比，传递着丰富的艺术语汇，不仅体现物体的形体感、空间感、质感、量感、以及主次、虚实关系，同时，也是渲染画面意境、情感，趣味最重要和最基本的表现手段。 因此，在写生中，既要以自然明暗光影变化为依据，又不要为自然所左右，要学会在自然中组合自然，或是超乎自然，服从于造型艺术的表现规律和创作主观意图，使画面体积感更强、层次更丰富、立体更突出、空间更准确、情感更鲜明、意境更深远。 （五）追求肌理、笔触的艺术趣味 水彩画由于工具材料的局限性，较之其它画种更注重笔触、技法、肌理的探索与追求。常常在作画过程中，依据创作意图和画面意境的需要，选用适宜的笔触和一种或几种特殊技法来表现。 （六）追求静物与风景相结合的艺术趣味 将静物摆在自然风景空间中，无疑会使静物摆在自然风景空间容量变得更宽、更深、也更增加静物画的内涵和诗情画意。同时，还拓宽了静物画的题材风格内容和表现形式，但是在组织时必须建立以静物为主体，风景处理处于背景地位的主次关系上，切不可喧宾夺主。 （七）追求画面形式感的艺术趣味 追求画面上的构图形式，是静物画一项十分重要的课题。因此，对画面构图形式的组织与经营，也就成了每件作品成败优劣的重要条件。因此，在写生中切不可是简单的，原封不动地以再现和复制景物为满足。要把经营画面构图，追求形式趣味，当作磨练自己的艺术才华，修养的课堂。

（八）追求画面意境的艺术趣味 在绘画艺术作品中，追求画面意境，需要画家将生活美和艺术美，完满的结合起来。同时，需要在作画的自始自终，深入地进行概括、提炼、浓缩的表现与处理，才会更使作品的意境不断升华。 （九）追求装饰性的艺术趣味 追求装饰的表现趣味，一直在世界各国的造型艺术中广为流传。不论是古代艺术，或是现代艺术；也不论是东方艺术，或是西方艺术，都同样也迷恋于装饰性表现手法的追求和探索。 （十）汲取民间与传统绘画艺术趣味 无论从传统绘画，或是从民间艺术中汲取养分，都同样会使我们的表现手法由对自然的摹写转向对精神与心灵的开拓，使作品的形式由单一性走向多样性和不规定性，这将是每个画家毕生的追求。 七、作业安排： 1、不同质地静物组合写生2幅，32学时。尺寸：半开。 2、不同质地、不同光源下的静物组合速写4幅、32学时、尺寸：4开。 3、较复杂的静物组合写生1幅、16学时。尺寸：半开。 4、创作静物1幅。16学时、尺寸：4开/半开，16学时。 八、教学总结、观摩： 在课程进行期间，每两周进行一次教学小结、根据学习期间存在的问题、有的放矢地进行小结，以利下段教学顺利地进行。课程结束时进行观摩。观摩是教学中重要的一环，总结经验，退定成绩，找出不足，以利教学的提高，在观摩中师生共同相互交流体会心得，相互探讨，既要对问题针对性强，又要有一定的理论深度，以利今后的教学。

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授课教师： 课程名称 授课内容 （一）水彩画的发展概况 水彩画技法在绘画技法中式最古老的一种方法。古埃及时代就有人们以水为煤剂调和颜料在草纸上作画（PAPYRVSROLLS），中世纪的欧洲人使用类似的方法，绘制祭祀用的手抄经本里的插图，这就是水彩画的雏形。 据史载最早出现的英国水彩画，可追溯到16世纪后期，距今约四百年历史。 使水彩画发展成为独立画种，应归功于18至19世纪英国水彩画家的不懈努力。英国水彩画有自己的传统，从16至17世纪以来风行一种记录性的地形风土画（TOPOGR-APHY）。英国（水彩）资产阶级革命促进了经济、政治、文化的发展。随着海外扩张，旅游的开展，地形景物图的绘制，使人们对自然景物审美兴趣也增长了，简便而又使用的水彩画在英国迅速传播。艺术效应增强，技法不断提高，充分发挥了水和色的作用。例如保罗•桑德比(PAVL SANDBY 1725-1809),人也在颜料的制作和绘制技法方面，作了不断的尝试。他把地形画向前推进了一步。他是最早转入水彩风景画的人，因而有“水彩画之父”的称号。 18世纪后半期到19世纪前半期，是英国水彩画光辉灿烂的时期，几乎所有的杰出水彩画家都产生在这一时代，在欧洲艺坛上放出光彩。如： 亚历山大•科仁斯（ALEXANDER COZENS 1717-1786），首创“泼色法”，与中国画的“泼墨法”相类似，有异曲同工之妙。作品富有浪漫主义色彩，《群山》、《湖光山色》、《罗马神殿》等。（见图） 威廉•透纳（JOSEPH MALLORD WILLIAMTVRNER 1775-1851），是英国最著名的画家之一，他创作了大量优秀的水彩画，给英国艺坛带来了巨大的活力。他大胆地用丰富的色彩来表达光的效果，是水彩画发生了深刻的变化，导致了法国和英国印象派的发展。《战舰》、《廷尼湖风景》等。（见图） 波宁顿（RICHARD PARKES BONINGTON 1802-1828），年轻夭折，仅活了26岁，但成就甚高，对绘画技巧的革新，作了大胆尝试，取得了卓越效果。德洛克洛亚赞扬他的水彩画“运用水彩之精妙，令人称绝”。如《崖下》、《威尼斯风景》等。（见图） 1804年，英国成立了水彩画协会（老协会），历时4年，至1808年又成立了水彩画家联合协会（成新协会）。到维多利亚时代，改称皇家水彩画协会和皇家水彩画学会。 水彩画在欧洲其他国家，岁没有像英国那样系统发展且画家众多，但亦不乏杰出画家。俄国的水彩画蓬勃发展与19世纪到20世纪初。19世纪末成立了俄罗斯水彩画协会。如列宾，格拉西莫夫，杰伊涅卡等。（见图） 美国的水彩画家，大部分是新一代的水彩画家，风格多样。他们吸收了别的国家的优秀经验，创造了自己的面貌。 罗伯维基（ROBERT VICKEVRY），是国际著名的蛋彩画先驱画家，赋予技巧与幻想力。如作品《倒影的倒影》。（见图） 我国同西方文化艺术交流的历史较早。18世纪初，意大利画家，耶稣会员郎世宁（Giuseppe Castiglione 1688-1766）来到北京，常使用水彩工具作画，使中西绘画技法溶为一炉；之后，法国也派擅长水彩画的传教士蒋友亿来北京。西洋的水彩画形式传入中国，并在中国得以发展，约有百余

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年历史。 1895-1900，产生了变法维新运动，随着“废科举，兴学校”，我国出现了仿西方美术教育的学校。 1906年南京出阿管理了两江优级师范学堂（中央大学艺术系前身）。 1912年创办了上海图画美术院（上海美专前身）。 1918年北京大学成立艺术学院（后改为北平艺专）。 1920年成立武昌美术学校。 1922年成立苏州美术专科学校。 1928年杭州成立园立艺术院（浙江美术学院级中国美院交身）。 这些学校都相继开设水彩画课程。 建国后，在“双百”方针的指导下，水彩画得到了迅速的发展。 1954和1958年，中国美协先后在北京举办了《全国水彩、速写展览》和《全国水彩画展览》。 1963年，英国水彩画首次访华，扩展了水彩画家的视野。 1982年，英国水彩画大二次来华展出。 1986年和1992年中国美协先后在杭州和徐州举办了《全国水彩水粉画展》。 从1988年起每届举办一次《中国水彩画大展》。 2005年第七届全国水彩水粉画展在河南郑州举行。（见图） 我国著名的水彩大师李剑晨，是河南人。梁思成，杨运宝是老一代优秀的建筑师，也是出色的水彩画家。 景物创作作品在老一辈水彩画家中有好的表现。如：孙青羊，潘思同，张充仁，王肇民等。 建国以来，在我国高等建筑院校及美术院校中，一直把水彩画列为各必修课程。 （二）水彩画的特点及绘画语言特质 1） 水彩画特点极其明显。它是用水作为媒介来调色，通过“水”和“色”的相互作用，是花面具有透明、轻快、滋润、流畅等特点，能获得特殊韵味的效果。 19世纪英国著名水彩画家和理论家拉斯金曾做过如下描述：“水彩在画家的处理下，水地和他明快性质所形成的幻想与在华，渐泼的痕迹，凝结的色块，以及斑斑的粒状虽然对于画面的表现没有什么意义，但由它偶然产生的梦境似的造化，清新的趣味，明丽的色调与松柔的感觉，是其它材料所没有的。”这正好阐明了水彩画特点。 水彩画三要素：水分、时间、颜色。 水彩画的艺术特点：透明清秀、流畅洒脱、滋润空灵。 2）水彩画的绘画语言特质： 水彩画要体现出水色淋漓、滋润流畅的独特的艺术语言。要从水味，彩味，笔味，韵味，透明味等诸方面俩具体表现。 水味： 水彩画是以水为媒介，调和透明的水性颜料来作画，水与色的相互融合，产生清新、明快、空灵、滋润的迷人视觉效果。 “水味”是水彩画的灵魂。 水的作用：“水哦”不仅起调节“浓淡”的作用，还起着湿润、衔接、冲化、洗涤等功能。 彩味： 水彩画的色彩着眼点是注重大的色彩关系，色调特点，色彩感受，分析构成画面的只要色彩倾向，讲究概括提炼，使其呈现出单纯又不失丰富的颜色效果。要画出彩的隽永亮丽，绚丽多姿之感受。 笔味： 水彩画的作画过程中用笔的好味，直接关系到作品的优劣。

用笔，要针对物象的质感和体面关系顺势而成，以表现对象的感受为出发点，概括、简介、有力、灵活。做到流畅中见沉着，沉着中有流畅。 用笔要：快有飘逸、活泼的感觉; 慢有厚实、凝重的效果。 （多练毛笔字或学习中国画技法也是水彩画家的一个重要课题。） 用笔的规则是：柔笔要提。硬笔要按； 暗部笔触要稳，亮部笔触要显; 形体的塑造宜方不宜圆; 线以中锋为佳，面以侧锋为宜； 强调“写”，忌拖泥带水，举笔不定。 用笔的特点是：“稳、准、狠”一笔下去应做到“行准”“色对”、“干湿”适宜。 同时要注意笔力与水、色相柔，相得益彰。 韵味： 水与色的流动，使其产生活泼的音韵之律动。渗化使空间与实物联成一片波流，使色彩的冷与暖、明与暗也形成一片波光。这种感觉我们称之为韵味，犹如没有歌词的轻音乐。 透明味： 透明，构成水彩画的“有意味的形式”，也是色彩画的最大特点。 水彩画保持透明感应把握三点： A、尽可能选用有名性较强的色彩作画，如：洋红、柠檬黄、普蓝等。 B、颜色以薄不宜厚，落笔后应以透出前色为宜。 C、忌反复多次涤抹，应保持简洁概括的笔触痕迹，尤其是“深、浓色”最好一次到位，并尽量用深颜色调大量水分表现浅色调，以达到透亮的效果，真正使水彩有如“冬潭积水”的视觉感染力。 （三）水彩画的工具材料 水彩颜料、水彩纸、水彩笔、调色盒、盛水器、画夹、画凳、海绵等。 1.水彩颜料： 从原料上分为动物、植物、矿物、化学合成。分为锡管装与干块状两种。 常用水彩颜料有下列几种，按顺序排列：柠檬黄、中黄、朱红、深红、玫瑰红、青莲、群青、普蓝、黑、中黄、桔黄、土红、赭石、熟褐、茶褐、草绿、翠绿、深绿 （初学者最好按颜色顺序排列，避免混乱，养成色系的好习惯，有助于色调的掌握。） 颜料分为国产、进口两大种 有成套（12色、24色、36色„„） 有单管的可自行选择。 2.水彩纸： 它是一种专用纸，分为粗纹、细纹和各种大小厚薄不同的规格。较为理想的水彩纸以洁白、坚实、纯净不过分光滑，有适度的吸水性，并有一定的厚度。纸的肌理对画面的影响甚大，有些效果是靠纸的肌理产生特殊效果的，国产保定产水彩纸较好。 最低要用150克以上的纸。 纸面不宜太光，因为纸光滑而颜色固定不牢。 3.画笔 笔有水彩笔、水粉笔、中国画笔三种可供选择 水彩画对笔的要求是能饱含水分，并富有弹性。 笔分有圆头，方头两种形式。 4.调色盘

分为塑料和搪瓷两种 5.画夹，画凳，盛水器，海绵凳附带用 （四）．水彩画的基本技法 不同的工具材料适用于不同的画种，都有使用和控制的特定技法，学习和继承发展前人的技法，是学习水彩画的一个重要课程。 1.水彩画的调色 水彩画颜色的调配可以采用一下几种方法： （1）混合法:把不同色相的颜料在色盘中调和水稍加波动，不完全调匀，即画到画面去，使其趁湿混合，形成需要的色彩。 具体调色时应注意三点：A，调色种类不宜太多，不然色性和色度均会减弱，甚至浑浊；B，冷暖不同颜色调和时，不宜等量相调C，颜料不宜调的过浓，应保持一定的透明度。 （2）用合法：在画纸上直接调配所需的颜色，使之相互渗透或永和，这种调色较为生动，变化丰富，色彩也比较鲜明，使用画大面积的色块。 （3）叠加法（重置法）：即在有底色的画面上，再加上别的颜色，有意将第一遍颜色画的暖一些，待全部干后，用较冷的颜色薄薄地罩上一层，是冷色中透着一些暖意来，以丰富色彩。如：画天空，基本色调时淡蓝色，但有阳光感，可先话一层天空的颜色，有避免了天空的单调，有表现一定的阳光感和空气感。 （4）并置法（空间混合）运用色点和小色块，将不同色相的颜色，经水调和直接并指在画面上，只要色彩关系正确，同样可以达到表现对象的目的，时画面色彩更为鲜明，产生一种闪烁跳动的感觉，增强色彩的光感，印象派画家善用此法，如：莫奈，西斯莱。 2.基本技法： 水彩画技法多种多样，但依水彩画用水调色的特点来分大体上可分两类。 （1）干画法：干画法只在干底上着色。 干画法是指在色干透后，利用水彩透明的特性，再加上第二遍色，待干后再加第三遍颜色„.直至完成，其特点，步骤文档，便于控制水分，可以画的深入充分，不受时间的限制。 但一般加到第三、四遍为宜，再多，其透明性和色彩的饱和度分受到直接影响，一般画面的主要形象，近处，实处和亮处多用这种方法。 其缺：缺乏水的滋润感，叠层多了，颜色会变脏，不透畅，失去画种的特点， 干画法在作画中要求笔豪饱满，并注意到色彩覆盖后搜长生的特定效果， （2）湿画法：湿画法时在湿底上着色。或连续着色，一气呵成 湿画法宜用一表现朦胧的意象、远处，虚处。暗部，柔和光法的物体以及雾云，天空静水的倒影等。 湿画法大致可分为五种： A湿重叠法，是湿画法中常见的方法，它时根据造型的需要，掌握好时间和水分，在前一遍色未干时加色，一般后一遍色的含湿量要小于前者，一遍控制形体，适宜表现形体圆滑，质地平滑，细腻，明暗接近的物象，如彩釉瓷器上等 B湿接法，是指趁湿连接着色，时颜色相互渗透，浸润，宜于用于表现育才，水果之类的景物，这种画法最宜于速写性的表现作品，有一气呵成和生动活泼色未有点，岁锻炼敏锐的观察力，捕捉请客即使的形象极有好处，这种画法大体一次完成，不作过分加工。 C破色法，是饱含水分的浓色或淡色趁签一遍色未干时冲泼上去后喷洒上去，以浓破淡。可以产生呢个一些似与不似之间的形象。 D晕染法，是通过渲染时色彩产生从深到浅，从明到暗的方法宜于用于表现云彩水果之类的景物。 E 沉淀法，充分分利用水彩颜料中能形成颗粒状沉淀的色彩，加多量的水调和后在纹理较粗的纸上作画。这种方法对表现大面积的天空后蚌精色较为有利，能表现出空气感和色彩的激励效

果。 采用此种犯非法应注意三个反方面：a .调色水分要足，纸的表面附上一层薄薄的水和颜色，b.挑选集中易于成点的颜色，如：群青，土黄，土红，湖蓝等，c.表面纸较粗，着色时应将画板倾斜至15度，角度不宜太大，也不宜平放。 （3）干湿异用法，在作品中大部分情况时混合使用，以求丰富多彩的艺术效果，但有所侧重，干湿画法结合使用的一般方法和规律，归纳起来大致上应时：先湿后干、远湿近感、宾湿主干、软湿硬干、虚湿实干。即作画开始时铺大调子多用湿画法，画远景和次要的部分，以及柔软光滑的东西也也以湿画为宜，虚实差别，尤以虚的部分用湿画法，实的部分用干画法比较恰当。 技法时为了表现对象，同时贯穿着作者的意图、想法，流露着作者的感情，也于作者的风格及素质有密切的关系，切不可为技法而技法，生搬硬套的运用，所以要灵活运用。 3.水彩画的用笔 水彩画的用笔，应据水彩画的特点和表现手法，充分吸取中国书画用笔的成就，中国画用笔,强调一个“写”字，运笔要求有偏正顺逆、轻重疾徐的变化，达到沉着痛快、自然、圆滑厚重、刚柔并济。充分表现对象的形象，有反映作者性情的效果，而以板、刻、结、薄、腻、浮滑、软弱为病。用笔是和作者的形式风格没紧密关联的，为塑造形象的同时讲究用笔，无疑是一种更是上层次的艺术追求，时艺术上更加成熟的标志。 用笔要注意亮点：1.要注意用笔的韵律感，2.要注意用笔的力感。一般而论，各种形态的用笔都应包含或隐或现的力感，它能起到加强作品生机的作用。 用笔的基本方法： （1）铺大体色调，大色块时，笔端水分宜多不宜少，概括性强，舍弃一些细小的东西，用笔宜大不宜小。 （2）虚、远的部分，笔触减弱，如近地平线的天空，远景和背景布之类，近处，实体部分笔触明显，如近景与光暗有关的山石、树木、建筑之类的物体。 （3）注重明暗块面结构，用笔宜方步宜圆，才能表现体积感。 （4）侧锋与扁笔，利于分清块面，中锋与圆笔刻画的较厚重。 （5）用笔有虚笔、实笔之分。 （6）用笔的走向大部分时根据形体结果来安排。 用笔时很复杂的，不可能用文字说清楚，更不能规格化。应在实践中领会，灵活掌握。 （五）水彩画的方法步骤 水彩画的创作，即不宜急于求成，也不能慢条斯理。因水彩画落笔后较难修改，所以对于初学者来说，起稿阶段就显得非常重要，只有画稿准确详细才能为着色创造良好的条件。 水彩画写生的全过程可分为：准备、构图、着色、调整充实4个阶段。 1.准备阶段 首先包括工具材料的准备、画纸的装裱、再就是包括对描绘对象的精神准备。认真的观察对象，考虑如何表象、表现什么、突出什么、减弱什么等。通过认真观察、分析、酝酿，判定表现方法。我国古代画家十分抢点“立意”或“意在笔先’.要做到胸有成竹”。 2.构图起稿阶段 构图亦叫“章法”。用水彩画的透明度的特性，起形应准而轻。铅笔应用B\\2B即可，尽量不要用橡皮去擦画面，以免伤到纸。 3.着色阶段 水彩画的着色程度一般为：先浅后深，先湿后感，就干湿运用而言，一般是远湿近干，暗湿明干，虚湿实干，先深后浅，先浓后淡，多用于湿画法。 4.调整充实阶段 深入细节处理，对画面整体调整，签字落款，裁剪画面然后装裱。

(六)水彩画常见的弊病 1.生，是指色彩生硬，用色太单纯，也称“火” 或“娇”。“生”时纯色用的不当，并不是画面上不能用纯色，没能把握整体色调，只盯局部的固有色，所以越画越鲜，是纯度色彩过纯，应理解色彩的规律，特别时补色的关系，用具有明度、纯度、冷暖关系的色彩来表现对象。注重环境对物体的影响及相互之间的关系。 2.脏，画面浑浊不明快，原因是a.色彩关系中的冷暖色和纯度色区别不大造成的。b.上色遍数过多，反复修改。c.在调色时，目的不明确，各种颜色混合过多。 3.跳，即由于过分强调某宜小部分的色彩，是它脱离了整体明暗关系和纯度关系，进而时所画之物没能处与它所在的空间位置上。也有的是局部的形画的过细，破坏了应有的空间距离。可以用洗涤或罩染等方法来调整。 4.松，主要是指在上色时所画形体该圆不圆，该方不方，水色泛滥，形体输送，即常说的“跑形了”。主要原因是水分掌握不好，在水的控制中耐力不够，细心不足。运用湿画法不当也容易“跑形”。 5.花，也就是琐碎、平均对待，许多小局部刻画过细，对比太强，就会出现花琐碎的毛病，破坏整体效果。必须从全局出发，加以调整，删繁就简，减弱对比。罩染是改变上述状况的有效方法。 6.灰，水粉画很容易画灰，所以“灰”就是缺乏应有的明度对比。该深得不深，该浅的不浅；该暗的不暗，该亮的亮不起来。这和用水的掌握有很大的关系，水多，颜料也要多，才能避免干湿的明度变化太大的毛病。 水彩画需要做到充分而不腻简洁而不空。 （七）结合多媒体课件分类欣赏水彩画作品，提高学生的鉴赏能力，增加感性认识。 （八）作业要求。 作业：本课程为三周时间，完成两幅作业。（水彩静物） 要求： 1.要求以对开纸为标准，最后完成尺寸为 2.第一副作业要求14学时完成，了解掌握熟悉水彩画的工具和基本技法。注重大关系：把握“水”的具体运用。 3.第二幅作业要求28学时完成，要求在熟悉基本技法的基础上进 4.行较深入的刻画。根据具体对象用用不同技法表现物体。 5.在作业中，切记生搬硬套地堆砌一些技法或使用单一的表现技法。 6.注意选用200克的专业水彩纸，建议适用国产保定产250克水彩纸。 7.要求运用空裱纸的方法老裱纸。 8.最后作业全部拍制成光盘。 作业评定： 1.由三位教师同时评分。 2.成绩按自己制记。并给于评价。 3.最后拍照制成光盘存档。 4.优秀作业留校（五幅作业）并由系发放证书。